Le Centre Pompidou-Metz présente régulièrement, en lien avec ses expositions temporaires, de grandes installations immersives et sensitives. Au cours de cette visite d'une heure, vous plongerez au cœur des toiles monumentales de Thomas Houseago, aux couleurs aussi intenses que les messages qu'elles portent, vous danserez au rythme de la bande son de l'installation conçue par le collectif Slavs and Tatars, avant de vous laisser transporter par le rythme envoûtant de Machine Hallucinations - Rêves de nature, une spectaculaire sculpture / peinture numérique proposée par l'artiste Refik Anadol.
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"Silence, on danse !" est une expérience immersive et multisensorielle à vivre dans l'œuvre numérique Machine Hallucinations. Rêves de nature de Refik Anadol en Grande Nef. Venez danser à la lumière des mouvements de l'algorithme et au rythme d'un DJ Set Électro-Rock mené par le groupe Brother & Brother. Avec leurs masques en or et leurs tenues à capuches, les deux DJs associent les hits incontournables du rock revisités en version électro, pour un mashup inédit. Cet événement musical inclusif, conçu en collaboration avec l’Institut National des Jeunes Sourds de Metz (INJS), permet aux personnes sourdes et malentendantes de ressentir les ondes émises par la musique grâce à des gilets vibrants.
Auteur : | Alexander Campbell |
L’influenceur de renommée internationale Alexander Campbell viendra faire des compositions florales inspirée de l’exposition « Le Musée sentimental d’Eva Aeppli » devant le public. Une première mondiale !
This summer, Refik Anadol, born in 1985 in Turkey and based in Los Angeles, presents the immersive installation Machine Hallucinations - Nature Dreams at the Centre Pompidou-Metz. For the first time since the Centre opened, the Grand Nave of the museum is occupied by the work of a single artist, a spectacular sculpture/digital painting that befits the extravagant scale of the venue.
An artist fascinated by memory and the creative potential of machines, Refik Anadol makes data his preferred material and artificial intelligence his principal collaborator. In his artistic practice, he surrounds himself with a team of multidisciplinary artists and researchers to create proteiform installations – 3D sculptures, moving and abstract data frescoes, audiovisual performances.
Refik Anadol’s offering for the Centre Pompidou-Metz is the result of the artist’s long-term research projects at the intersection of architecture, environmental data, the aesthetics of probability, and Google’s and NASA’s experiments with artificial intelligence (Quantum Artificial Intelligence Lab and AI Quantum Supremacy programmes). This spectacular work is a data sculpture made from over two hundred million publicly available nature-related images that will be displayed on a digital canvas of 10m x 10m, forming a constantly moving 100m2 image. This set of data is processed using a personalised program developed by the Refik Anadol Studio in collaboration with Google AI’s quantum research team, which employs new methods of using data. Thus, artificial intelligence speculates on other appearances of images of nature, within one of the world’s most sophisticated computers, capable of directly using the laws of quantum physics when performing its calculations and thereby generating quantum noise.
This colossal work can be seen both as a radical visualisation of an alternative dimension of the natural world and as a representation of our digitised memories of nature for the future. The 3D visual work is accompanied by a sound experience that is also based on data generated by quantum noise. Through this multi-sensory experience, visitors are encouraged to imagine the potential of this new collaborative technology between humankind, nature and machine, and the immense possibilities it offers for the future of art, environmental studies, design and architecture.
Curator
Chiara Parisi, Head of the Centre Pompidou-Metz
With the sponsorship of the UEM group
An installation by Refik Anadol
Studio (RAS) / MABU Collection : mabu.eth
Aus einer die Entstehung und die Zukunft dieses Konzepts umfassenden Perspektive, vereint die Gruppenausstellung Mimesis. Lebendiges Design 400 Werke von 90 Designer zum Themenschwerpunkt Evolution der Natur im Design – vom Biomorphismus zur modernen Bionik, von der Biofabrikation zur Nachbildung des Lebendigen durch digitales Design. In der Ausstellung in Galerie 2, konzipiert von Marie-Ange Brayer, Konservatorin, Leitung des Bereichs Design und Industrie-Prospektive am Musée National d’Art Moderne-CCI, Centre Pompidou, und Olivier Zeitoun, beigestellter Konservator in Leitung des Bereichs Design und Industrie-Prospektive am Musée National d’Art Moderne-CCI, Centre Pompidou, haben die Natur und das Lebendige Einzug gehalten.
Von Designobjekten, die durch ihre Neuinterpretation der Natur zu Ikonen der Moderne wurden, bis hin zu Designansätzen unserer Gegenwart, die einer neuen digitalen «Natürlichkeit» (Ross Lovegrove, Joris Laarman, Michael Hansmeyer…) nachspüren, wird der tiefgreifende Wandel dessen, was als Natur begriffen wird, aus Sicht seiner Verbindung mit der technischen und technologischen Produktion und vor dem Hintergrund der innovativsten Forschungsarbeiten im Bereich des Designs, beleuchtet.
Bereits Ende des 19. Jahrhunderts war Biomorphismus – der Einfluss der Natur auf die Darstellung künstlerischer Formen – ein prägendes Element der aufkommenden Moderne. Die historischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts stellten bei der Schaffung von Formen das Konzept des Organismus und die Dimension der Selbsterzeugung in den Vordergrund. Um vor Augen zu führen, wie die organische Gestalt dieser neuen modernen Formsprache in Frankreich, den USA, Skandinavien oder auch in Japan unter Einbeziehung der Natur und der Wissenschaften zustande kam, vereint diese Ausstellung von Alvar Aalto bis Sori Yanagi die Werke großer Designer der Moderne. Im Frankreich der 1930er Jahre fing Charlotte Perriand in ihren Fotografien die Kraft der Materie ein, aus der sie für ihre Designobjekte schöpfte. In den USA stießen Charles und Ray Eames in der Nachkriegszeit mit ihren organischen Formen eine Neuerfindung des Designs an. Zur gleichen Zeit entwickelte Serge Mouille in Frankreich, dessen außergewöhnlicher Fundus in den Sammlungen des Centre Pompidou erstmals gezeigt wird, einen bionischen Ansatz bei der Gestaltung seiner Leuchten. Auch der Hedonismus der Pop Art der 1960er Jahren wurzelte in der Natur: Einer neuen Sichtweise folgend, schufen Designer wie Verner Panton und Pierre Paulin mit ihren Entwürfen eine künstliche Natur und nahmen die Umgebung als Landschaften wahr.
Mitte der 1980er Jahre bereitete Andrea Branzi einer neuen Form des «Neo-Primitivismus» den Weg, indem er natürliche Elemente wie Äste direkt in seine Werke integrierte (Animali domestici, 1985). Die Natur selbst, nicht mehr bloß ihre Darstellung, wurde zu einem Teil des Designobjekts. Angesiedelt zwischen Natur und Kunstgriff, bilden die Rêveries urbaines (2016) von Ronan und Erwan Bouroullec ein atmosphärisches «Wunderbares» nach und schenken dem städtischen Raum neuen Zauber.
Im heutigen digitalen Zeitalter ist die Natur dem Konzept des «Lebendigen» gewichen, das in einer neuen Form der Künstlichkeit – zwischen leblos und belebt, organischen und maschinell – in Erscheinung tritt. Die «Biofabrikation» verarbeitet Biowerkstoffe, die aus biologischen Organismen hergestellt werden, zu neuen, langlebigen und biologisch abbaubaren Objekten.
Kuratoren:
Marie-Ange Brayer and Olivier Zeitoun
Mit Unterstützung der Caisse d'Épargne Grand Est Europe
In Medienpartnerschaft mit
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The group show, Mimesis. A living design brings together 400 works by 90 creators on the subject of the evolution of nature in design. From modern biomorphism to biomimicry, from biofabrication to the recreation of living things through digital design, this exploration is as much historical as it is forward-looking.
Nature and the living world are invited to Gallery 2 in the exhibition conceived by Marie- Ange Brayer, Senior Curator of the Design and Industrial Prospective department at the Musée national d'art moderne-CCI, Centre Pompidou and Olivier Zeitoun, Associated curator in the Design and Industrial Prospective department at the Musée national d'art moderne-CCI, Centre Pompidou.
From the iconic objects of modernism and their reinterpretation of nature to the most recent design exploring a new digital "naturalness" (Ross Lovegrove, Joris Laarman, Michael Hansmeyer…), the exhibition explores a profound shift in the very concept of nature, in terms of its links with technical and technological production, through the most innovative research in the field of design today.
At the end of the 19th century, biomorphism – the influence of nature on representation and artistic forms – accompanied the birth of modernity. The historical avant-gardes of the early 20th century emphasised the notion of organism along with the self-generation aspect in the creation of forms. This exhibition brings together the great designers of modernity to show how this new modern language draws its organic forms from nature and science, in France, the United States, Scandinavia and Japan, from Alvar Aalto to Sori Yanagi. In 1930s France, Charlotte Perriand's photographs captured the power of the material that inspired her design objects. In the United States, Charles and Ray Eames reinvented design with their organic shapes in the post-war period. At the same time, in France, Serge Mouille, whose exceptional pieces in the Centre Pompidou's collections are being exhibited for the first time, was developing a biomimetic approach to lighting design. In the 1960s, pop art drew its hedonism from nature: from Verner Panton to Pierre Paulin, designers recreated an artificial nature through their creations, and filled their environment with installations resembling landscapes, marking a change of outlook.
In the mid-1980s, Andrea Branzi inaugurated a new form of "neo-primitivism" by directly incorporating natural elements, such as tree branches, into his work (Animali domestici, 1985). Nature itself, not just its representation, is now an integral part of the design object. Between nature and artifice are the Rêveries urbaines (2016) by Ronan and Erwan Bouroullec, which recreate an atmospheric "wonderland" and re-enchant the urban space.
Today, in the digital era, nature has made way for the notion of the living world, which presents itself in a new form of artificiality, between inert and animate, organic and machinic. Design is making use of "biofabrication": biomaterials, made from biological organisms, now allow the creation of new sustainable and biodegradable objects.
Curators::
Marie-Ange Brayer and Olivier Zeitoun
With the support of Caisse d'Épargne Grand Est Europe
In media partnership with
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Auteur : | Shigeru Ban & Jean de Gastines |
Die ideale Stadt erträumen ist ein von den Architekten des Centre Pompidou-Metz konzipierter Workshop, der im PTS – dem architektonischen Labor des Museums bei seiner Gründung – einen allen geöffneten Raum bietet, in dem jeder und jede an der Erarbeitung eines gemeinsamen Werks teilnehmen kann: einer idealen Stadt aus recycelbarem Karton.
Im Inneren der neu gestalteten Struktur mit einem langen, wabenförmigen Tisch, Leuchten und Sitzgelegenheiten, die die Merkmale der emblematischen Architektur des Centre Pompidou-Metz aufgreifen, sind die Besucher:innen eingeladen, sich das ihnen zur Verfügung stehende Material anzueignen und für den Bau einer großen Stadt zu verwenden, die nach und nach den gesamten Raum einnehmen wird.
Am Abend geht das Leben im PTS weiter. Sobald das Publikum gegangen ist, füllt ein rotes Licht allmählich den Raum aus. Von außen durch die Bullaugen ist eine farbige Bewegung wie der Rhythmus eines schlagenden Herzens zu sehen.
Auteur : | Shigeru Ban & Jean de Gastines |
Rêver la ville idéale [Dreaming the Ideal City] is a workshop conceived by the architects of the Centre Pompidou-Metz, which offers in the PTS, the museum’s architectural laboratory at the time of its creation, a space open to all, where everyone can take part in the elaboration of a common work: an ideal city made of recyclable cardboard.
Inside the newly refurbished structure with a long honeycomb table, lights and seats that echo the codes of the Centre Pompidou-Metz’s emblematic architecture, visitors are invited to take hold of and divert the material at their disposal to build a large city that will gradually occupy the entire space.
In the evening, the PTS lives on. Once the public has left, a red light gradually invades the space. To the rhythm of a heartbeat, a coloured movement is then perceptible from the outside, through the portholes.
Chaque weekend et pendant les vacances scolaires, partez à la découverte des expositions temporaires du Centre Pompidou-Metz. En famille ou entre amis, vous percerez les mystères des grands chefs-d’œuvre de l'histoire de l'art moderne et contemporain, accompagnés par l'un de nos conférenciers.
CALENDRIER JUIN, JUILLET, AOÛT, SEPTEMBRE 2022
Samedi 11 juin à 11h Samedi 11 juin à 15h Dimanche 12 juin à 11h Dimanche 12 juin à 15h Samedi 18 juin à 15h Dimanche 19 juin à 11h Dimanche 26 juin à 15h Samedi 2 juillet à 11h Dimanche 3 juillet à 11h Samedi 9 juillet à 15h Dimanche 10 juillet à 15h Jeudi 14 juillet à 11h Samedi 16 juillet à 15h Dimanche 17 juillet à 11h Samedi 23 juillet à 15h Dimanche 24 juillet à 15h Samedi 30 juillet à 11h Dimanche 31 juillet à 11h
| Vendredi 5 août à 15h Dimanche 7 août à 11h Jeudi 11 août à 15h Samedi 13 août à 15h Dimanche 14 août à 11h Lundi 15 août à 15h Samedi 20 août à 11h Dimanche 21 août à 15h Jeudi 25 août à 15h Samedi 27 août à 11h Samedi 3 septembre à 11h Dimanche 4 septembre à 15h Samedi 10 septembre à 15h Dimanche 11 septembre à 11h Samedi 24 septembre à 11h Dimanche 25 septembre à 15h |
Auteur : | Samuel Tomatis |
Intégrez le protocole de recherche et création de Samuel Tomatis ! Le designer transforme la Capsule en petit laboratoire rempli d’échantillons de différentes espèces d’algues. Vous pourrez les manipuler et observer les propriétés qui font de ce végétal l’un des matériaux du futur pour le design.
S’inscrivant dans une nouvelle mouvance centrée sur le bio-mimétisme, Samuel Tomatis s’inspire du vivant comme modèle de création, pas seulement d’un point de vue esthétique mais surtout comme procédé de fabrication.
La Capsule est un lieu de rencontres, d’échanges et de pratique artistique ouvert à tous.
#LaCapsuleCPM
Auteur : | Margaux Frajer |
La relation entre l’astronomie, l’astrologie et la mythologie et leurs représentations à travers les siècles accompagnent l’artiste Margaux Frajer (Mar Galatea) dans son processus créatif. En écho à l’exposition Le Musée sentimental d’Eva Aeppli, elle imagine un atelier où les visiteurs pourront réaliser un collage astrologique, une technique inspirée de la pratique des nouveaux réalistes. Elle permet de réaliser des créations uniques à partir de son profil astral.
Auteur : | Jean-Luc Hervé |
Biotope du compositeur Jean-Luc Hervé invite le visiteur à pénétrer dans un lieu transformé par l’environnement sonore : c’est sur le Parvis, caché dans un « pied-tulipe » du bâtiment que se fait le berceau d’une polyphonie. Le public surprend en effet un dialogue entre les individus d’une population de petits « animaux sonores », invisibles.
Création 2019
dispositif acousmatique craintif pour l'exposition « La Fabrique du vivant », commande de l’IRCAM-Centre Pompidou
The British artist Thomas Houseago has created two installations for the Forum of Centre Pompidou-Metz. He is exhibiting three raw, unstretched paintings. Hung from the roof, they add to the impact of Shigeru Ban and Jean de Gastines’ architecture and allow visitors to experience the works in their three-dimensionality. The first season will be extended
by an ensemble of three sculptures in autumn.
Executed at his Californian studio, in Malibu, outdoors and exposed to the elements, these paintings mark a new stage in the artist’s development. Nature has often been an anchor point for Thomas Houseago, but here it is the main subject, the source of a cosmic energy that the artist seeks to capture. The sun’s rays, the waning moon, oceans and wind resonate with the cycles of time and living things, cycles reproduced by our most intimate psyche.
They evoke art’s restorative power, its visceral relationship to life. By representing nature’s transcendental power, the artist create dreamlike and nightmarish landscapes that exist between objective reality and subjective interpretation. The viewer is invited to stroll freely amongst these extraordinary paintings, to look at them from every angle, like sculptures. One of them, Bucha, in the middle, was painted in reaction to the horrors of the war in Ukraine. The violence and brutality in it evoke sources from art history. The inclusion of trauma and suffering are essential elements in the artist’s practice. Through his canvases, Thomas Houseago assumes the responsibility for interpreting a collective sense of pain and hope.
Born in 1972 in Leeds, in Great Britain, Thomas Houseago is a major figure on the international art scene. Since 2003, he has lived and worked in Los Angeles and his work is regularly displayed in such institutions as the Musée d’Art Moderne de Paris; the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; the Galleria Borghese, Rome; the Royal Academy of Art, London; the Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels; and the Palazzo Grassi - Punta della Dogana, Venice.
Der britische Künstler Thomas Houseago produziert zwei Installationen für das Forum des Centre Pompidou-Metz. In einer ersten Phase bespielt er das Kunstzentrum mit drei monumentalen brutistischen Gemälden. Aus der Hängung der ungespannten Bilder in der Dachstruktur des Museums entspinnt sich ein Dialog mit der Architektur von Shigeru Ban und Jean de Gastines, und sie lädt dazu ein, die Werke aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten. Im Herbst werden die drei Bilder durch ein Ensemble aus drei Skulpturen ersetzt.
Die Arbeiten sind im Außenbereich von Houseagos kalifornischem Atelier in Malibu entstanden, wo sie Wind und Wetter ausgesetzt waren, und markieren einen neuen Abschnitt in seiner künstlerischen Praxis. Während die Natur Thomas Houseago in früheren Arbeiten als Ausgangspunkt diente, wird sie hier als Quell einer kosmischen Energie zum zentralen Thema, das er auf der Leinwand zu bannen versucht. Sonnenstrahlen, der abnehmende Mond, das Meer und der Wind treten in Einklang mit den Rhythmen der Zeit und des Lebens, Rhythmen, die sich in unserem innersten Denken und Fühlen spiegeln.
Die drei Gemälde beschwören die heilende Kraft der Kunst herauf, ihren fundamentalen Bezug zum Leben. Durch die Darstellung der transzendentalen Kraft der Natur beschwört der Künstler traumhafte und alptraumhafte Landschaften herauf, die zwischen objektiver Realität und subjektiver Interpretation angesiedelt sind. Die Besucher können sich ganz ungezwungen zwischen den überdimensionalen Gemälden bewegen, um sie wie Skulpturen von allen Seiten zu betrachten. Die mittlere Malerei, Bucha, wurde als Reaktion auf die Schrecken des Krieges in der Ukraine gemalt. Die dargestellte Gewalt und Brutalität lehnt sich an Quellen aus der Kunstgeschichte an. Houseago schließt Trauma und Leiden bewusst in seine Werke ein und macht sie zu essenziellen Bestandteilen. In seinen Bildern nimmt ein kollektives Gefühl des Schmerzes und der Hoffnung Gestalt an.
Thomas Houseago wurde 1972 in Leeds in Großbritannien geboren und gehört heute zu den bedeutendsten Akteuren der internationalen Kunstlandschaft. Er lebt und arbeitet seit 2003 in Los Angeles. Seine Werke sind regelmäßig in Institution wie dem Musée d’art moderne de Paris, dem Museum of Contemporary Art, Los Angeles, der Galleria Borghese, Rom; der Royal Academy in London, den Royal Museums of Fine Arts of Belgium in Brüssel und dem Palazzo Grassi – Punta della Dogana, Venedig zu sehen.
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Auteur : | Angélique Aubrit et Ludovic Beillard |
Les artistes Angélique Aubrit et Ludovic Beillard partagent un goût commun pour les récits et légendes, le théâtre de l’absurde, les imaginaires médiévaux, ou encore le mime et les spectacles de marionettes.
Pour les ateliers du Centre Pompidou-Metz, ils ont imaginé petit écran, un studio tv avec un bureau d'écriture de scénarios et de dialogues, un plateau de tournage composé d'un décor et de costumes en tissus et bois, et pour finir une salle de visionnage.
Dans cet atelier, ce sont les enfants qui écrivent les histoires, réalisent les scènes et font le doublage des dialogues.
Ce sont également les enfants qui sont les acteurs de leurs histoires. Les artistes sont juste là comme techniciens, accessoiristes et assistants.
Le Centre Pompidou-Metz se réserve le droit de proposer une activité jeune public de substitution dans le cas où le nombre minimum de 2 participants ne serait pas atteint. Aucun remboursement ne pourra être effectué.
Le Goetheanum de Rudolf Steiner Silvana Gabrielli et Stephan WidmerSilvana Gabrielli et Stephan Widmer, commissaire et archiviste aux archives Rudolf Steiner, explorent l’histoire du Goetheanum à Dornach, siège culturel et intellectuel de l’anthroposophie, qu’Eva Aeppli a fréquenté dans son enfance.