Author : | Shigeru Ban & Jean de Gastines |
Die ideale Stadt erträumen ist ein von den Architekten des Centre Pompidou-Metz konzipierter Workshop, der im PTS – dem architektonischen Labor des Museums bei seiner Gründung – einen allen geöffneten Raum bietet, in dem jeder und jede an der Erarbeitung eines gemeinsamen Werks teilnehmen kann: einer idealen Stadt aus recycelbarem Karton.
Im Inneren der neu gestalteten Struktur mit einem langen, wabenförmigen Tisch, Leuchten und Sitzgelegenheiten, die die Merkmale der emblematischen Architektur des Centre Pompidou-Metz aufgreifen, sind die Besucher:innen eingeladen, sich das ihnen zur Verfügung stehende Material anzueignen und für den Bau einer großen Stadt zu verwenden, die nach und nach den gesamten Raum einnehmen wird.
Am Abend geht das Leben im PTS weiter. Sobald das Publikum gegangen ist, füllt ein rotes Licht allmählich den Raum aus. Von außen durch die Bullaugen ist eine farbige Bewegung wie der Rhythmus eines schlagenden Herzens zu sehen.
Author : | Shigeru Ban & Jean de Gastines |
Rêver la ville idéale [Dreaming the Ideal City] is a workshop conceived by the architects of the Centre Pompidou-Metz, which offers in the PTS, the museum’s architectural laboratory at the time of its creation, a space open to all, where everyone can take part in the elaboration of a common work: an ideal city made of recyclable cardboard.
Inside the newly refurbished structure with a long honeycomb table, lights and seats that echo the codes of the Centre Pompidou-Metz’s emblematic architecture, visitors are invited to take hold of and divert the material at their disposal to build a large city that will gradually occupy the entire space.
In the evening, the PTS lives on. Once the public has left, a red light gradually invades the space. To the rhythm of a heartbeat, a coloured movement is then perceptible from the outside, through the portholes.
Chaque weekend et pendant les vacances scolaires, partez à la découverte des expositions temporaires du Centre Pompidou-Metz. En famille ou entre amis, vous percerez les mystères des grands chefs-d’œuvre de l'histoire de l'art moderne et contemporain, accompagnés par l'un de nos conférenciers.
CALENDRIER JUIN 2022
Samedi 11 juin à 11h Samedi 11 juin à 15h Dimanche 12 juin à 11h Dimanche 12 juin à 15h Samedi 18 juin à 15h Dimanche 19 juin à 11h Dimanche 26 juin à 15h
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Author : | Samuel Tomatis |
Intégrez le protocole de recherche et création de Samuel Tomatis ! Le designer transforme la Capsule en petit laboratoire rempli d’échantillons de différentes espèces d’algues. Vous pourrez les manipuler et observer les propriétés qui font de ce végétal l’un des matériaux du futur pour le design.
S’inscrivant dans une nouvelle mouvance centrée sur le bio-mimétisme, Samuel Tomatis s’inspire du vivant comme modèle de création, pas seulement d’un point de vue esthétique mais surtout comme procédé de fabrication.
La Capsule est un lieu de rencontres, d’échanges et de pratique artistique ouvert à tous.
#LaCapsuleCPM
Author : | Margaux Frajer |
La relation entre l’astronomie, l’astrologie et la mythologie et leurs représentations à travers les siècles accompagnent l’artiste Margaux Frajer (Mar Galatea) dans son processus créatif. En écho à l’exposition Le Musée sentimental d’Eva Aeppli, elle imagine un atelier où les visiteurs pourront réaliser un collage astrologique, une technique inspirée de la pratique des nouveaux réalistes. Elle permet de réaliser des créations uniques à partir de son profil astral.
Author : | Jean-Luc Hervé |
Biotope du compositeur Jean-Luc Hervé invite le visiteur à pénétrer dans un lieu transformé par l’environnement sonore : c’est sur le Parvis, caché dans un « pied-tulipe » du bâtiment que se fait le berceau d’une polyphonie. Le public surprend en effet un dialogue entre les individus d’une population de petits « animaux sonores », invisibles.
Création 2019
dispositif acousmatique craintif pour l'exposition « La Fabrique du vivant », commande de l’IRCAM-Centre Pompidou
The British artist Thomas Houseago has created two installations for the Forum of Centre Pompidou-Metz. He is exhibiting three raw, unstretched paintings. Hung from the roof, they add to the impact of Shigeru Ban and Jean de Gastines’ architecture and allow visitors to experience the works in their three-dimensionality. The first season will be extended
by an ensemble of three sculptures in autumn.
Executed at his Californian studio, in Malibu, outdoors and exposed to the elements, these paintings mark a new stage in the artist’s development. Nature has often been an anchor point for Thomas Houseago, but here it is the main subject, the source of a cosmic energy that the artist seeks to capture. The sun’s rays, the waning moon, oceans and wind resonate with the cycles of time and living things, cycles reproduced by our most intimate psyche.
They evoke art’s restorative power, its visceral relationship to life. By representing nature’s transcendental power, the artist create dreamlike and nightmarish landscapes that exist between objective reality and subjective interpretation. The viewer is invited to stroll freely amongst these extraordinary paintings, to look at them from every angle, like sculptures. One of them, Bucha, in the middle, was painted in reaction to the horrors of the war in Ukraine. The violence and brutality in it evoke sources from art history. The inclusion of trauma and suffering are essential elements in the artist’s practice. Through his canvases, Thomas Houseago assumes the responsibility for interpreting a collective sense of pain and hope.
Born in 1972 in Leeds, in Great Britain, Thomas Houseago is a major figure on the international art scene. Since 2003, he has lived and worked in Los Angeles and his work is regularly displayed in such institutions as the Musée d’Art Moderne de Paris; the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; the Galleria Borghese, Rome; the Royal Academy of Art, London; the Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels; and the Palazzo Grassi - Punta della Dogana, Venice.
Der britische Künstler Thomas Houseago produziert zwei Installationen für das Forum des Centre Pompidou-Metz. In einer ersten Phase bespielt er das Kunstzentrum mit drei monumentalen brutistischen Gemälden. Aus der Hängung der ungespannten Bilder in der Dachstruktur des Museums entspinnt sich ein Dialog mit der Architektur von Shigeru Ban und Jean de Gastines, und sie lädt dazu ein, die Werke aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten. Im Herbst werden die drei Bilder durch ein Ensemble aus drei Skulpturen ersetzt.
Die Arbeiten sind im Außenbereich von Houseagos kalifornischem Atelier in Malibu entstanden, wo sie Wind und Wetter ausgesetzt waren, und markieren einen neuen Abschnitt in seiner künstlerischen Praxis. Während die Natur Thomas Houseago in früheren Arbeiten als Ausgangspunkt diente, wird sie hier als Quell einer kosmischen Energie zum zentralen Thema, das er auf der Leinwand zu bannen versucht. Sonnenstrahlen, der abnehmende Mond, das Meer und der Wind treten in Einklang mit den Rhythmen der Zeit und des Lebens, Rhythmen, die sich in unserem innersten Denken und Fühlen spiegeln.
Die drei Gemälde beschwören die heilende Kraft der Kunst herauf, ihren fundamentalen Bezug zum Leben. Durch die Darstellung der transzendentalen Kraft der Natur beschwört der Künstler traumhafte und alptraumhafte Landschaften herauf, die zwischen objektiver Realität und subjektiver Interpretation angesiedelt sind. Die Besucher können sich ganz ungezwungen zwischen den überdimensionalen Gemälden bewegen, um sie wie Skulpturen von allen Seiten zu betrachten. Die mittlere Malerei, Bucha, wurde als Reaktion auf die Schrecken des Krieges in der Ukraine gemalt. Die dargestellte Gewalt und Brutalität lehnt sich an Quellen aus der Kunstgeschichte an. Houseago schließt Trauma und Leiden bewusst in seine Werke ein und macht sie zu essenziellen Bestandteilen. In seinen Bildern nimmt ein kollektives Gefühl des Schmerzes und der Hoffnung Gestalt an.
Thomas Houseago wurde 1972 in Leeds in Großbritannien geboren und gehört heute zu den bedeutendsten Akteuren der internationalen Kunstlandschaft. Er lebt und arbeitet seit 2003 in Los Angeles. Seine Werke sind regelmäßig in Institution wie dem Musée d’art moderne de Paris, dem Museum of Contemporary Art, Los Angeles, der Galleria Borghese, Rom; der Royal Academy in London, den Royal Museums of Fine Arts of Belgium in Brüssel und dem Palazzo Grassi – Punta della Dogana, Venedig zu sehen.
Tout ou partie des œuvres figurant dans ce dossier de presse sont protégées par le droit d’auteur.
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Merci de respecter les légendes et crédits mentionnés.
Author : | Angélique Aubrit et Ludovic Beillard |
Les artistes Angélique Aubrit et Ludovic Beillard partagent un goût commun pour les récits et légendes, le théâtre de l’absurde, les imaginaires médiévaux, ou encore le mime et les spectacles de marionettes.
Pour les ateliers du Centre Pompidou-Metz, ils ont imaginé petit écran, un studio tv avec un bureau d'écriture de scénarios et de dialogues, un plateau de tournage composé d'un décor et de costumes en tissus et bois, et pour finir une salle de visionnage.
Dans cet atelier, ce sont les enfants qui écrivent les histoires, réalisent les scènes et font le doublage des dialogues.
Ce sont également les enfants qui sont les acteurs de leurs histoires. Les artistes sont juste là comme techniciens, accessoiristes et assistants.
Le Centre Pompidou-Metz se réserve le droit de proposer une activité jeune public de substitution dans le cas où le nombre minimum de 2 participants ne serait pas atteint. Aucun remboursement ne pourra être effectué.
Les ateliers jeune public bénéficient du soutien du Groupe UEM et de sa filiale efluid :
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Le Goetheanum de Rudolf Steiner Silvana Gabrielli et Stephan WidmerSilvana Gabrielli et Stephan Widmer, commissaire et archiviste aux archives Rudolf Steiner, explorent l’histoire du Goetheanum à Dornach, siège culturel et intellectuel de l’anthroposophie, qu’Eva Aeppli a fréquenté dans son enfance.
Avec Renaud Herbin (Directeur du CDN de Strasbourg), Pierre-Yves Charlois- Directeur du Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes de Charleville-Mézières) et Julie Postel, docteure en arts du spectacle et co-fondatrice du collectif Les Surpeuplés.
Author : | Anne Horvath, co-commissaire de l’exposition et Stéphane Ghislain Roussel, curateur et metteur en scène indépendant |
Fait de moments solaires autant que de descentes abyssales, l’œuvre d’Eva Aeppli peut apparaître comme une succession de cris à la fois muets et expressifs. Cette visite commentée confronte des pièces de l’exposition et différents cris émanant de l’univers d’autres créateur et créatrices, tantôt directement liés à Aeppli ou, au contraire, émergeant d’horizons éloignés, créant pour un instant une expansion de l’accrochage. Telle une libre interprétation en textes et en sonorités, ce contrepoint prendra forme pour la première fois le jour de la visite – les conférenciers ayant seulement convenu de la sélection des pièces d’Aeppli mais pas du cri en réponse ni de son interprétation – donnant à cette déambulation sonore un caractère performatif.
Author : | Chiara Parisi, co-commissaire de l'exposition |
Composés pendant près de cinquante ans, Les Livres de vie constituent l’oeuvre la plus dense et la plus personnelle d’Eva Aeppli. Parmi ces centaines de pages, Chiara Parisi met en exergue des extraits choisis qui se font l’écho du panorama artistique de l’artiste et de son cercle proche.
Author : | Marie-Louise von Plessen, historienne de l'art, et Chiara Parisi, co-commissaire de l'exposition |
L’oeuvre d’Eva Aeppli résiste aux catégories conventionnelles. L’artiste ne s’est jamais pliée ni adaptée aux règles du marché de l’art. Quelles sont les raisons et quelles sont ses affinités ? Cette conférence sera menée par Marie-Louise von Plessen, historienne (de l’art) et commissaire d’expositions transnationales, en dialogue avec Chiara Parisi, directrice du Centre Pompidou-Metz.
Diese erste Eva Aeppli gewidmete Retrospektive in Frankreich lädt dazu ein, die Entstehung ihres genähten Werks zu entdecken, in dem der Höhepunkt ihrer Kunst zum Ausdruck kommt. In ihrem "Musée sentimental", ähnlich dem von Daniel Spoerri 1977 im Centre Pompidou ausgerichteten, treten ihre Werke in einen Dialog mit denen ihres engsten Kreises, ihrer fantasievollen Einflüsse wie auch ihrer Nachfolger. So begegnet man hier den Kreationen von Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Louise Bourgeois, Annette Messager und Sarah Lucas, was unterstreicht, wie sehr die Kunst der Schweizer Bildhauerin noch immer einen spürbaren Einfluss auf die zeitgenössische Szene ausübt. Jede ihrer Textilfiguren, die durch ihre stillen Schreie, ihre klaren, aber dennoch ausdrucksstarken Gesichtszüge und ihre von Nähten gezeichneten Narben ergreifen, überflutet den Betrachter mit ambivalenten Gefühlen und lässt ihn nicht unberührt. Der von Jean Kalman inszenierte Rundgang ist ein Echo der Dualitäten, die das Werk und das Leben der Künstlerin durchziehen.
Die zahlreichen von Eva Aeppli verteilten Visitenkarten – auf denen sie sich als "Wouziund Wouzi-Wouzi-Beraterin", "Philosophin", "Lebenslehrerin" oder auch als "Akrobatin zwischen Himmel und Erde" vorstellt – offenbaren den singulären Geist dieser noch unbekannten Künstlerin.
Eva Aeppli wurde 1925 in Zofingen in der Schweiz geboren und wuchs in Basel auf, wo sie in der Schule von Rudolf Steiner anthroposophisch unterrichtet wurde. Die Zeit des Zweiten Weltkriegs prägte die junge Künstlerin nachhaltig. Unter dem Einfluss ihres Vaters verfolgte sie voller Angst den Vormarsch der Nazis in ganz Europa.
Aus diesem Trauma erwuchs Eva Aepplis unerschütterliches Engagement, das sie 1968 mit einer Installation zu Ehren von Amnesty International und später mit der Gründung ihrer eigenen Stiftung (Myrrahkir Foundation in Omaha) zur Bekämpfung von Unterdrückung, Armut und Unwissenheit zum Ausdruck brachte. Der Mensch, die Universalität des menschlichen Daseins, bildet somit unermüdlich den gemeinsamen Nenner jedes ihrer Werke.
Aeppli ließ sich ab 1952 endgültig in Frankreich nieder und teilte sich zunächst mit ihrem Mann Jean Tinguely ein Atelier in der Impasse Ronsin, wo Constantin Brâncuşi zu dieser Zeit lebte. Ihre Freundschaften in Paris – mit Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Jean Pierre Raynaud und Pontus Hultén – hielt sie in den Livres de vie fest, in denen sie zwischen 1954 und 2002 Fotografien ihrer Werke, die Korrespondenz mit ihrem Umfeld und die künstlerischen Projekte ihrer Freunde sammelte. In diesen Notizbüchern zeichnet sich die komplexe Welt von Eva Aeppli ab, die sich sowohl aus der Einsamkeit als auch aus dem Dialog mit ihrem engen Freundeskreis speist, mit dem sie punktuell künstlerische Kooperationen eingeht.
Sie war mit der Pariser Kunstwelt verbunden, lehnte es aber ab, sich einer der damals in Mode gekommenen Bewegungen anzuschließen, und schuf zu einer Zeit, als der Nouveau Réalisme, die Pop Art und die lyrische Abstraktion triumphierten, einen zutiefst eigenständigen Korpus. Während die ersten Selbstporträts in Form von Kohlezeichnungen die persönlichen Gefühle der Künstlerin zum Ausdruck brachten, entfalteten sich die Emotionen, die die Außenwelt in ihr auslöste, später in großen Ölgemälden. Die von der Künstlerin als wahre "Erweiterungen ihrer Gemälde" beschriebenen ersten Textilfiguren, die in den 1960er Jahren entstanden, folgten auf die Leinwände. Die menschengroßen Textilskulpturen wurden später zu großen Installationen zusammengefasst, darunter La Table, die Groupe de 13 und die Groupe de 48, die in der Ausstellung zu sehen sein werden.
1976 wurden ihre Skulpturen im Schweizer Pavillon auf der Biennale von Venedig und in der Pariser ARC geehrt. Abgesehen von der institutionellen Anerkennung markiert dieses Jahr auch einen entscheidenden Wendepunkt in der Karriere der Künstlerin, die künftig auf den Körper verzichtet und sich ausschließlich auf die Gesichter und Hände ihrer Skulpturen konzentriert. Die Zyklen der Köpfe – Les Planètes (1975-1976), Les Signes du Zodiaque (1979-1980) und Quelques Faiblesses humaines (1993-1994) –, die aus Seide gefertigt und dann in Bronze gegossen wurden, zeigen schließlich Aepplis feine Beobachtung der menschlichen Physiognomie und ihre Leidenschaft für die Vielfalt der menschlichen Charaktere.
Kuratoren: Chiara Parisi und Anne Horvath
Mit der Unterstützung der Schweizer Botschaft in Frankreich und des Schweizer Generalkonsulats in Straßburg.
In Medienpartnerschaft mit
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Die Publikation ist die erste Monografie der Künstlerin auf Französisch und umfasst drei Essays von Chiara Parisi, Marie-Louise von Plessen und Marie-Laure Bernadac sowie eine reich illustrierte Biografie von Anne Horvath und einen Manifestbrief der Künstlerin (bisher nicht auf Französisch veröffentlicht). Das Werkverzeichnis lädt den Leser ein, Eva Aepplis Werdegang und ihr zeitloses und vielseitiges Werk chronologisch zu entdecken, von den ersten Handmarionetten bis hin zu ihren Skulpturen in Menschengröße oder ihren in Bronze gegossenen Köpfen.
LE MUSÉE SENTIMENTAL D’EVA AEPPLI
UNTER DER LEITUNG VON
CHIARA PARISI UND ANNE HORVATH
ÉDITIONS DU CENTRE POMPIDOU-METZ
24 x 32 CM
VERÖFFENTLICHUNG: MAI 2022
ETWA 208 SEITEN
ISBN : 978-2-35983-068-2
This first retrospective in France dedicated to Eva Aeppli is an invitation to discover her sewn work, which constitutes the high point of her art. In her “musée sentimental”, like that created by Daniel Spoerri at the Centre Pompidou in 1977, her works dialogue with those by members of her close circle, with her fantasised influences and with those of her successors. It features creations by Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Louise Bourgeois, Annette Messager and Sarah Lucas, highlighting how the Swiss sculptor’s art continues to exert a strong influence on the contemporary scene. Each of her fabric figures – with their striking silent cries, their simple yet highly expressive features, their scars formed by stitching – flood the viewer with ambivalent feelings in an encounter that will not leave them unaffected.
The numerous visiting cards distributed by Eva Aeppli – in which she presents herself as “Consultant in Wouzi and Wouzi-Wouzi”, “Philosopher”, “Professor of life” and “Acrobat between sky and earth” – reveal the extraordinary mind of this still little-known artist.
Born in 1925 in Zofingen, in Switzerland, Eva Aeppli grew up in Basel, where she followed the anthroposophical teachings of the Rudolf Steiner school. The period of the Second World War would have a lasting effect on the young artist who, under the influence of her father, followed with anguish the Nazis’ progress across Europe.
This traumatic experience was the source of Eva Aeppli’s unshakeable activism, embodied in 1968 by the installation she created as a homage to Amnesty International, and then by the creation of her own foundation (the Myrrahkir Foundation, based in Omaha), which fought oppression, poverty and ignorance. The human being and the universality of the human condition were the constant common denominator of her creations.
Aeppli settled for good in France in 1952, initially sharing a studio with her husband Jean Tinguely, in the impasse Ronsin, where Constantin Brancusi lived at the time. Her friendships in Paris – with Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Jean Pierre Raynaud and Pontus Hultén were incorporated into her Les Livres de vie [The Books of Life], in which, between 1954 and 2002, she accumulated photographs of her works, correspondence with her entourage and the artistic projects of her friends. These notebooks sketch out Eva Aeppli’s complex world, which drew as much off solitude as dialogue with her circle of close friends, with whom she collaborated on occasion.
Connected to the Parisian art world, while refusing to join the movements that were then in vogue, she created a deeply original body of work at a time when Nouveau Réalisme, Pop Art and Abstraction Lyrique reigned supreme. While her first self-portraits, which took the form of charcoal drawings, reveal the artist’s personal feelings, the emotions inspired by the outside world were subsequently expressed in large oil compositions. Described by the artist as veritable “extensions of her paintings”, the first fabric figures made in the 1960s followed on from the canvases. The humansize fabric sculptures were subsequently brought together in large installations, including The Table, the Group of 13 and the Group of 48, which will be on display in this exhibition.
In 1976, her sculptures were given pride of place in the Swiss pavilion at the Venice Biennale and at the ARC in Paris. Above and beyond the institutional recognition, this year also marked a decisive turning point in her career as an artist when she rejected the bod in order to concentrate solely on the faces and hands of her sculptures. The cycles of heads – The Planets (1975–76), The Signs of the Zodiac (1979–80) then Some Human Weaknesses (1993–94) – made out of silk then cast in bronze, demonstrated Aeppli’s acute observation of human physiognomy and her passion for the multiplicity of human characters.
Curators: Chiara Parisi and Anne Horvath
With the support of the French Embassy in France and the Swiss General Consulate in Strasbourg
In media partnership with
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The first monograph in French devoted to the artist, the book contains three essays – by Chiara Parisi, Marie-Louise von Plessen and Marie- Laure Bernadac – as well as a lavishly illustrated biography put together by Anne Horvath and a letter-manifesto (unpublished in French). It also gives pride of place to the catalogue of her works, which offers a chronological look at Eva Aeppli’s career and her timeless and protean oeuvre, from her first hand puppets to her human-size sculptures and her heads cast in bronze.
LE MUSÉE SENTIMENTAL D’EVA AEPPLI
EDITED BY
CHIARA PARISI AND ANNE HORVATH
ÉDITIONS DU CENTRE POMPIDOU-METZ
DIMENSIONS : 24 x 32 CM
PARUTION : MAI 2022
APPROX. 208 PAGES
ISBN : 978-2-35983-068-2
Author : | Michel Nedjar |
La Danse macabre pour les poupées de Michel Nedjar est simultanément théâtre de marionnettes et cabinet de curiosités, tableau vivant et théâtre d’ombres, théâtre de la mémoire et monument aux victimes de la Shoah. Ce théâtre n’est pas une scène pour fixer les événements traumatiques de l’histoire, mais un dispositif pour les transformer dans le sens d’une plus grande clarté, pour créer une continuité avec l’histoire et une projection vers l’avenir, voire un mode de conciliation avec le destin.
Mise en scène : Allen S. Weiss
Marionnettiste : Mark Sussman
Musique : Gregory Whitehead
Author : | Par Cristina Agostinelli et Clément Dirié |
En octobre 1959, Iris Clert présente le Strip-Tease d’Eva Aeppli dans sa galerie-laboratoire du 3, rue des Beaux-Arts. La même année, elle accueille Brô, Yves Klein, Norbert Kricke, Heinz Mack, Takis, Jesús Rafael Soto et Jean Tinguely, alors marié à Eva Aeppli. En cette fin des années 1950, le programme d’Iris Clert (1918-1986) est sans conteste l’un des plus avant-gardistes d’Europe.
Cette conférence propose de revenir sur l’effervescence de l’année 1959 dans les activités de la Galerie Iris Clert et l’exposition qu’Eva Aeppli y présenta, notamment en lien avec le contexte artistique de l’époque, avant d’élargir le propos pour étudier la manière dont Iris Clert fut une promotrice des artistes femmes, particulièrement dans les années 1970 avec son exposition-manifeste Grandes femmes, petits formats (1974) à laquelle Eva Aeppli participa.
Par Cristina Agostinelli, historienne de l’art, commissaire de l’hommage à Iris Clert dans le parcours « Galeries du XXe siècle, France,1905-1970 » au Musée national d’art moderne en 2019-2020, et Clément Dirié, historien et critique d’art, auteur de Iris Clert. L’Astre ambigu de l’avant-garde, Hermann et le Comité professionnel des Galeries d’art, collection « Galerie d’art », Paris, 2021.