Rêver la ville idéale [Dreaming the Ideal City] is a workshop conceived by the architects of the Centre Pompidou-Metz, which offers in the PTS, the museum’s architectural laboratory at the time of its creation, a space open to all, where everyone can take part in the elaboration of a common work: an ideal city made of recyclable cardboard.

Inside the newly refurbished structure with a long honeycomb table, lights and seats that echo the codes of the Centre Pompidou-Metz’s emblematic architecture, visitors are invited to take hold of and divert the material at their disposal to build a large city that will gradually occupy the entire space.

In the evening, the PTS lives on. Once the public has left, a red light gradually invades the space. To the rhythm of a heartbeat, a coloured movement is then perceptible from the outside, through the portholes.

Intégrez le protocole de recherche et création de Samuel Tomatis ! Le designer transforme la Capsule en petit laboratoire rempli d’échantillons de différentes espèces d’algues. Vous pourrez les manipuler et observer les propriétés qui font de ce végétal l’un des matériaux du futur pour le design.

S’inscrivant dans une nouvelle mouvance centrée sur le bio-mimétisme, Samuel Tomatis s’inspire du vivant comme modèle de création, pas seulement d’un point de vue esthétique mais surtout comme procédé de fabrication.

La Capsule est un lieu de rencontres, d’échanges et de pratique artistique ouvert à tous.
#LaCapsuleCPM

Biotope du compositeur Jean-Luc Hervé invite le visiteur à pénétrer dans un lieu transformé par l’environnement sonore : c’est sur le Parvis, caché dans un « pied-tulipe » du bâtiment que se fait le berceau d’une polyphonie. Le public surprend en effet un dialogue entre les individus d’une population de petits « animaux sonores », invisibles.

Création 2019
dispositif acousmatique craintif pour l'exposition « La Fabrique du vivant », commande de l’IRCAM-Centre Pompidou

Der britische Künstler Thomas Houseago produziert zwei Installationen für das Forum des Centre Pompidou-Metz. In einer ersten Phase bespielt er das Kunstzentrum mit drei monumentalen brutistischen Gemälden. Aus der Hängung der ungespannten Bilder in der Dachstruktur des Museums entspinnt sich ein Dialog mit der Architektur von Shigeru Ban und Jean de Gastines, und sie lädt dazu ein, die Werke aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten. Im Herbst werden die drei Bilder durch ein Ensemble aus drei Skulpturen ersetzt.

Die Arbeiten sind im Außenbereich von Houseagos kalifornischem Atelier in Malibu entstanden, wo sie Wind und Wetter ausgesetzt waren, und markieren einen neuen Abschnitt in seiner künstlerischen Praxis. Während die Natur Thomas Houseago in früheren Arbeiten als Ausgangspunkt diente, wird sie hier als Quell einer kosmischen Energie zum zentralen Thema, das er auf der Leinwand zu bannen versucht. Sonnenstrahlen, der abnehmende Mond, das Meer und der Wind treten in Einklang mit den Rhythmen der Zeit und des Lebens, Rhythmen, die sich in unserem innersten Denken und Fühlen spiegeln.

Die drei Gemälde beschwören die heilende Kraft der Kunst herauf, ihren fundamentalen Bezug zum Leben. Durch die Darstellung der transzendentalen Kraft der Natur beschwört der Künstler traumhafte und alptraumhafte Landschaften herauf, die zwischen objektiver Realität und subjektiver Interpretation angesiedelt sind. Die Besucher können sich ganz ungezwungen zwischen den überdimensionalen Gemälden bewegen, um sie wie Skulpturen von allen Seiten zu betrachten. Die mittlere Malerei, Bucha, wurde als Reaktion auf die Schrecken des Krieges in der Ukraine gemalt. Die dargestellte Gewalt und Brutalität lehnt sich an Quellen aus der Kunstgeschichte an. Houseago schließt Trauma und Leiden bewusst in seine Werke ein und macht sie zu essenziellen Bestandteilen. In seinen Bildern nimmt ein kollektives Gefühl des Schmerzes und der Hoffnung Gestalt an.

Thomas Houseago wurde 1972 in Leeds in Großbritannien geboren und gehört heute zu den bedeutendsten Akteuren der internationalen Kunstlandschaft. Er lebt und arbeitet seit 2003 in Los Angeles. Seine Werke sind regelmäßig in Institution wie dem Musée d’art moderne de Paris, dem Museum of Contemporary Art, Los Angeles, der Galleria Borghese, Rom; der Royal Academy in London, den Royal Museums of Fine Arts of Belgium in Brüssel und dem Palazzo Grassi – Punta della Dogana, Venedig zu sehen.

Le Goetheanum de Rudolf Steiner Silvana Gabrielli et Stephan WidmerSilvana Gabrielli et Stephan Widmer, commissaire et archiviste aux archives Rudolf Steiner, explorent l’histoire du Goetheanum à Dornach, siège culturel et intellectuel de l’anthroposophie, qu’Eva Aeppli a fréquenté dans son enfance.

Fait de moments solaires autant que de descentes abyssales, l’œuvre d’Eva Aeppli peut apparaître comme une succession de cris à la fois muets et expressifs. Cette visite commentée confronte des pièces de l’exposition et différents cris émanant de l’univers d’autres créateur et créatrices, tantôt directement liés à Aeppli ou, au contraire, émergeant d’horizons éloignés, créant pour un instant une expansion de l’accrochage. Telle une libre interprétation en textes et en sonorités, ce contrepoint prendra forme pour la première fois le jour de la visite – les conférenciers ayant seulement convenu de la sélection des pièces d’Aeppli mais pas du cri en réponse ni de son interprétation – donnant à cette déambulation sonore un caractère performatif.

L’oeuvre d’Eva Aeppli résiste aux catégories conventionnelles. L’artiste ne s’est jamais pliée ni adaptée aux règles du marché de l’art. Quelles sont les raisons et quelles sont ses affinités ? Cette conférence sera menée par Marie-Louise von Plessen, historienne (de l’art) et commissaire d’expositions transnationales, en dialogue avec Chiara Parisi, directrice du Centre Pompidou-Metz.

This first retrospective in France dedicated to Eva Aeppli is an invitation to discover her sewn work, which constitutes the high point of her art. In her “musée sentimental”, like that created by Daniel Spoerri at the Centre Pompidou in 1977, her works dialogue with those by members of her close circle, with her fantasised influences and with those of her successors. It features creations by Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Louise Bourgeois, Annette Messager and Sarah Lucas, highlighting how the Swiss sculptor’s art continues to exert a strong influence on the contemporary scene. Each of her fabric figures – with their striking silent cries, their simple yet highly expressive features, their scars formed by stitching – flood the viewer with ambivalent feelings in an encounter that will not leave them unaffected.

The numerous visiting cards distributed by Eva Aeppli – in which she presents herself as “Consultant in Wouzi and Wouzi-Wouzi”, “Philosopher”, “Professor of life” and “Acrobat between sky and earth” – reveal the extraordinary mind of this still little-known artist.

 Born in 1925 in Zofingen, in Switzerland, Eva Aeppli grew up in Basel, where she followed the anthroposophical teachings of the Rudolf Steiner school. The period of the Second World War would have a lasting effect on the young artist who, under the influence of her father, followed with anguish the Nazis’ progress across Europe.

 This traumatic experience was the source of Eva Aeppli’s unshakeable activism, embodied in 1968 by the installation she created as a homage to Amnesty International, and then by the creation of her own foundation (the Myrrahkir Foundation, based in Omaha), which fought oppression, poverty and ignorance. The human being and the universality of the human condition were the constant common denominator of her creations.

 Aeppli settled for good in France in 1952, initially sharing a studio with her husband Jean Tinguely, in the impasse Ronsin, where Constantin Brancusi lived at the time. Her friendships in Paris – with Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle, Jean Pierre Raynaud and Pontus Hultén were incorporated into her Les Livres de vie [The Books of Life], in which, between 1954 and 2002, she accumulated photographs of her works, correspondence with her entourage and the artistic projects of her friends. These notebooks sketch out Eva Aeppli’s complex world, which drew as much off solitude as dialogue with her circle of close friends, with whom she collaborated on occasion.

 Connected to the Parisian art world, while refusing to join the movements that were then in vogue, she created a deeply original body of work at a time when Nouveau Réalisme, Pop Art and Abstraction Lyrique reigned supreme. While her first self-portraits, which took the form of charcoal drawings, reveal the artist’s personal feelings, the emotions inspired by the outside world were subsequently expressed in large oil compositions. Described by the artist as veritable “extensions of her paintings”, the first fabric figures made in the 1960s followed on from the canvases. The humansize fabric sculptures were subsequently brought together in large installations, including The Table, the Group of 13 and the Group of 48, which will be on display in this exhibition.

In 1976, her sculptures were given pride of place in the Swiss pavilion at the Venice Biennale and at the ARC in Paris. Above and beyond the institutional recognition, this year also marked a decisive turning point in her career as an artist when she rejected the bod in order to concentrate solely on the faces and hands of her sculptures. The cycles of heads – The Planets (1975–76), The Signs of the Zodiac (1979–80) then Some Human Weaknesses (1993–94) – made out of silk then cast in bronze, demonstrated Aeppli’s acute observation of human physiognomy and her passion for the multiplicity of human characters.

Curators: Chiara Parisi and Anne Horvath

With the support of the French Embassy in France and the Swiss General Consulate in Strasbourg

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